WAX ! L'HISTOIRE D'UNE ETOFFE

WAX ! HISTOIRE D'UNE ETOFFE

Le BATIK indonésien est l’ancêtre du WAX

Le WAX est un textile de coton aux couleurs vives, intenses et aux motifs graphiques complexes, avec ses dessins irréguliers imprimés selon une technique à la cire.

Il suscite fascination et passion et a acquis une renommée mondiale.

L’exposition que propose le Musée de Bourgoin-Jallieu nous offre une invitation au voyage de l’Indonésie à l’Afrique, en passant par l’Angleterre et la Hollande.

La technique d’impression à la main puis avec des machines appose la cire chaude et fluide sur un tissu de coton qui doit être totalement revêtu des deux côtés afin de protéger la couleur et en garder l’éclat des teintures avec la même qualité.

Le plus célèbre, le Vlisco (entreprise anglaise, 1846, 300 000 motifs) était mais est encore un produit de luxe si l’on cherche bien et que l’on évite les tissus chinois de qualité très moyenne qui ont envahi les marchés.

Aujourd’hui le « Wax » est porté par les femmes en robe, en pagne quotidien, etc...partout en Afrique et surtout en Afrique de l’Ouest, mais pas que..!!

Voici les Nanas Benz qui ont fait fortune dans le WAX !!!

Le WAX est un véritable média pour qui sait lire ses messages d’information et des évènements du jour, créatifs, humoristiques, populaires comme « Mari capable », « Money can Fly », « l’œil de ma rivale », « z’yeux voient, bouche dit rien » « Ongles de Thérèse » ….

Depuis quelques années, le WAX s’internationalise et se porte en Europe et aux USA, s’invite dans le prêt à porter et même chez les grands couturiers.

Une exposition à laquelle nous nous sommes pour la plupart rendues  ensemble et en train dans le froid.

Elle nous a réchauffées et…enchantées.


POUSSIN et l'AMOUR

POUSSIN et l’AMOUR

Musée des Beaux-arts de Lyon

NICOLAS POUSSIN (1594 -1665)

Le 20 janvier 2023, Madame Isabelle Collon professeur en Histoire de l’Art, académicienne des Sciences et Belles Lettres et Arts de Lyon, très appréciée pour sa grande érudition a guidé notre Lyceum (avec celui de Grenoble et un groupe ami d’artistes) en transmettant à chacune sa passion au travers d’une quarantaine d’œuvres rares ou inédites, en plus de chefs d’œuvres du corps féminin érotisé.

Cette exposition conçue avec le Louvre et les Musées du monde entier (à l’exception de l’Ermitage qui devait livrer de nombreuses œuvres)

Les Métamorphoses d’Ovide sont l’inspiration du peintre qui dévoile la sensualité des corps nus des deux sexes, l’ivresse, les fantasmes, l’amour qui triomphe de tout « Omnia vincit Amor » mais également les réjouissances et les folies des bacchanales et finalement les larmes, la souffrance et la mort.

On retrouve Chioné, Pyrame et Thisbé, Midas, Venus et Adonis, Echo et Narcisse, Pan, Mars et Venus, Narcisse…et encore Apollon et Daphné, ultime chef d’œuvre inachevé de Poussin (prêté par le Louvre)

L’exposition propose également dans la continuité d’interroger la place de l’héritage de Nicolas Poussin dans l’art de Pablo Picasso :

« La BACCHANALE de 1944 »

et de mettre en lien la rencontre des érotismes « POUSSIN - PICASSO » tous deux inspirés par la mythologie grecque, notamment sur la bacchanale des années 1930 jusqu’à la fin des années 1960 et les dessins qui ont accompagné le tableau « La joie de vivre » de 1946 (Antibes)

A vos souvenirs de la Grèce antique

 et à vos livres de mythologie grecque de A à Z


PATRICE GIORDA "CE MYSTERIEUX VISAGE"

GIORDA : sombre et lumière

La Fondation Renaud accueille jusqu’à fin décembre 2022 une exposition de 150 portraits de Giorda. Cette Fondation créée par deux frères architectes au Fort de Vaise a justement pour vocation de promouvoir des artistes lyonnais.

Désir de la quête de l’autre qui est aussi une quête de l’artiste lui-même.

La recherche de lumière est très présente dans ses œuvres colorées.

Peu à l’aise avec de fins pinceaux ou dans les jeux d’ombre et de lumière, sans complexe il préfère recouvrir un visage d’un aplat de couleur et trouver la puissance de l’expression dans la posture de la silhouette et les superpositions d’acrylique sorties du tube.

On peut cependant être interpelé par la noirceur des traits, des intériorités et des thèmes (emprisonnement, perte de l’enfant).

Patrick GIORDA utilise principalement le fusain comme médium. Il travaille en plaçant son modèle à 70 cm devant lui guettant le moment où celui-ci délivrera son intériorité. Il saisit de lui la lumière intérieure, au-delà de la beauté ou des faux-semblants.

GIORDA a réalisé une série de portraits dans des prisons de Lyon, une autre série figure les employés d’une entreprise privée.

Très attaché également à la peinture classique Il a interprété de nombreux personnages du peintre espagnol Diego Velasquez, notamment ses nains.

Très impressionné par ces "Ménines" il revisite la présentation des personnages avec sa technique d'empâtement, d'une une brosse vigoureuse à base de peinture acrylique

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Exposition au Couvent Sainte Marie de la TOURETTE

GIUSEPPE PENONE - 2022

Les frères dominicains dont le Frère Marc Chauveau (commissaire de l'exposition) accueillent au sein de leur couvent, l'artiste italien Giuseppe Penone. Un dialogue subtil, sensible et spirituel s'installe entre les oeuvres créées et l'architecture impressionnante du Corbusier qui offre un magnifique écrin entre béton et nature

L'exposition offre des oeuvres choisies pour dialoguer avec la Tourette, son espace, sa rigueur et la spiritualité qu'elle dégage.

L'on découvre la dimension de l'homme, le processus plutôt que l'objet fini, dans l'esprit de "l'Arte Povera" développant sa démarche en opposition contre la société de consommation.

PENONE ET LES VIES CACHEES

La Vie cachée de la Pierre

LA VIE CACHEE DU MARBRE DE CARRARE

SES VEINES ET SES ANATOMIES

La Vie cachée du Tableau de l'Artiste

"Occhi chiusi"

De chaque côté d'une plaque de marbre de Carrare, deux yeux mi-clos nous regardent....

Ce magnifique tableau pointilliste, spectaculaire, effectué avec un patient travail méticuleux de collage de très grandes et très piquantes épines d'acacia noires apparait comme une évocation symbolique du Bouddha et/ou du Christ au linceul de Turin.

La paix et l'harmonie sont données à l'homme par son rapport central et actif avec la nature.

La Vie cachée de l'Arbre

"Le bois sacré"

A travers le travail incroyable de Penone qui creusant dans les anneaux de croissance, fait apparaitre l'arbre tel qu'il a été, "vivant "avant de nous offrir son existence emprisonnée cachée à l'intérieur de la poutre.

Au centre de l'église, "L'Albero in torsione sinistra" évidé se découvre tel qu'il a été avec ses branches et brindilles et nous impressionne

Une Vie cachée de l'Architecture

"La Peau du Béton"

PENONE découvre sur place la peau granuleuse des murs avec la technique du frottage (petites touches au pastel gras sur des surfaces carrées) avec les 63 couleurs que Le Corbusier a mis au point pour ses bâtiments.

Penone nous a fait approcher la spiritualité dans l'art.

Le message qui nous est transmis par la perception de ces vies ignorées, négligées, traumatisées

est puissant et profondément marquant.

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"MANIFESTO OF FRAGILITY"

La Fragilité : une forme de résistance

La biennale 2022 d'art contemporain de Lyon reconnait la fragilité comme l'une des rares vérités universelles partagées dans notre monde divisé.

Foisonnante, elle invite cette année 87 artistes dont les oeuvres sont réparties en 12 lieux à travers la ville de Lyon.

Nous avons choisi une visite ciblée des oeuvres présentées dans les usines Fagor (Brandt) lieu immense de 29 000 m2 permettant une déambulation de la sculpture antique du musée des moulages aux créations contemporaines.

Heureusement que Isabelle Collon, Professeur en histoire de l'art, Académicienne des sciences et belles lettres et arts de Lyon nous a merveilleusement accompagnées et guidées à travers ses "coups de coeur"

La fragilité liée à une forme de résistance initiée dans le passé est en prise avec le présent et se veut capable d'affronter l'avenir

Niobé
Dyonisos

Exemples du passé : Niobé et Dionysos

Niobé, mère des Niobides, reine de Thèbes se vanta !!! de sa fécondité et de la beauté de ses 12 enfants. Leto qui n'avait donné le jour qu'à Artemis et Apollon se vengea en tuant tous ses enfants à coup de flèches.

En voyant Zeus en majesté, Sémélé, enceinte meurt...foudroyée. Zeus implante le foetus dans sa cuisse et mène la grossesse jusqu'à la naissance. Dionysos connaît ainsi deux naissances, de sa mère et de son père

"MONOCHROME" de HANS OP de BEECK

Hans Op de Beeck a peint ici, entièrement en gris, 1 900m2.

Le souvenir d'un temps passé ou une autre réalité?

Nous sommes les seuls en vie. La couleur du monde n'existe plus.....

LA TRISTESSE ENCHANTEE de KIM SIMONSSON

Les sculptures en céramique revêtues de fibres vertes floquées, les "Moss People, Moss Family" de Kim Simonsson sont inspirées par les contes de fées nordiques, la mythologie ancienne, les mangas.

Elles représentent des êtres enfantins faisant partie du monde végétal, intrépides, d'expression étrange, sac au dos, manifestant une indépendance rebelle s'adaptant à leur environnement avec une paisible acceptation.

Ce monde "Nomade" merveilleux, inquiétant convoque la puissance du souvenir et de l'imagination. Elles sont envoutantes, d'apparence douce et lisse mais empreintes de thématiques les plus sombres.

STANDING BY THE RUINS OF ALEPPO

DIANA AWARTANI

2021

"LA POESIE DES RUINES PRE-ISLAMIQUES"

Cour de la grande mosquée d'Alep (23m x 13m)

Cette magnifique cour endommagée et même disparue lors de la guerre civile syrienne est rendue au patrimoine culturel

Diana Awartani fait partie de la jeune génération d'artistes sensibles aux pertes causées par les conflits du Moyen Orient

LES CONDITIONS DE TRAVAIL DES MIGRANTS DANS LES EMIRATS ARABES UNIS

Mohammed KAZEM (DUBAÏ)

GROWTH 2022

EVA FABREGAS

Dégoulinantes du plafond, gonflées, molles, colorées du violet, de l'orange, des roses, que l'on a envie de toucher ou de rejeter

D'où viennent ces sculptures prêtes à proliférer avec leurs sexualités, leurs monstruosités dans l'espace industriel ? Sont elles végétales, animales, humaines?

Trans-humanisme ? Science Fiction?

ESPOIRS.....

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HYPER REALISME

2022 19 MAI -  EXPOSITION A LA SUCRIERE - LYON

HYPER REALISME.
Ceci n’est pas un corps

En référence à l'œuvre célèbre de MAGRITTE " ceci n'est pas une pipe"

Question du rapport entre l'art et la réalité.

Les grands noms de l'Hyperréalisme, mouvement artistique né dans les années soixante-dix, sont réunis autour d'une thématique : la représentation du corps humain, dans un lieu insolite à la mesure du caractère exceptionnel des œuvres présentées : LA SUCRIERE, ancienne zone industrielle réhabilitée située sur les quais de Saône

Dès l'entrée le ton est donné avec cette jeune femme à la tête cachée dans son pull et dans le mur : " Caroline" de Daniel Firman.

Suivent des pièces très "politiques" de Duane Hanson et John Andréa, des pionniers du genre: « des ouvriers avec leurs outils de travail », « un Cow-Boy et son grand chapeau »….

Classées en 6 sections les sculptures se suivent sans se ressembler, dérangeantes comme ces jeunes gens grandeur nature, nus et blafards, amusante comme cette femme de ménage et ses seau et balais, émouvante comme cette frêle grand-mère serrant contre elle un bébé minuscule, les cycles de la vie?..

Ces corps nus ou habillés, grandeur nature ou pas, attirent le regard et interpellent. Certains artistes travaillent à partir de moulages de vraies personnes et vont jusque à repiquer de vrais cheveux, ajouter des objets ou vêtements pour créer une illusion parfaite, d'autres ont choisi de faire des sculptures monochromes qui leur donne un air moins réel et d'autres encore ont représenté des morceaux de corps seulement : une bouche, un bras ou une tête démesurée et criante de naturel de Andy Warhol, avec des détails de poils de barbe et des pores dilatés sur les narines.

D'autres encore réalisent des sujets qui ont marqué l'époque où la publicité rendait la femme "objet".

La visite se termine par une proposition de sculpture " sculpture vivante" en offrant au regard une chaise vide à utiliser suivant l'imagination du visiteur, l'idée de Erwin Wurn étant de nous faire devenir nous-même une sculpture "Hyperréaliste"

Olga Quinaux


EXPOSITION DOISNEAU - COUTY

UNE BELLE JOURNEE A L'ILE BARBE

LYON VU PAR LE PHOTOGRAPHE ROBERT DOISNEAU ET LE PEINTRE JEAN COUTY.

Une belle journée à l'île Barbe.

    Les enfants de Robert Doisneau (1912-1994) le photographe et ceux de Jean Couty (1907-1991) le peintre, entretiennent le souvenir du père et la transmission de l'œuvre.

ROBERT DOISNEAU

Charles Couty a fondé en 2017 le musée " Jean Couty" en hommage à son père et les filles de Robert Doisneau s'occupent aujourd'hui de l'atelier du père.

 L'exposition actuelle représente deux visions humanistes de Lyon. Les photographies de Doisneau prises entre 1945 et 1994 présentent une sélection de portraits d'artistes dans leur atelier ainsi que des vues de Lyon réalisées dans le cadre d'un reportage pour VOGUE consacré à la ville de Lyon en 1950.

L'exposition est conçue autour de deux thématiques : portraits et atelier d'artistes d'une part, vues de Lyon d'autre part.

PICASSO

De nombreux artistes : Picasso, Braque, Giacometti, Léger, Nicky de ST Phalle...et les vues de Lyon qui mettent à l'honneur le « Lyon d'après-guerre »

Ces 90 photographies de Doisneau sont accompagnées de peintures et dessins de Lyon vu par Jean Couty.

    Après cette plongée dans l'art Lyonnais multidisciplinaire, nous avons poursuivi dans l'art culinaire bistronomique Lyonnais au petit restaurant " La Fée- Maison" qui nous avait concocté un menu petite gastronomie locale goûteuse et savoureuse.


MUSEE DE L'IMPRIMERIE ET DE LA COMMUNICATION GRAPHIQUE DE LYON

VISITE A L' EXPOSITION : L'ARCHITECTURE DU LIVRE

 Le Musée de l'imprimerie, petit bijou de la renaissance italienne,

situé au 13 rue de la poulaillerie, Lyon 2e, organise actuellement une passionnante exposition :

 L’architecture du livre

Présentée au sein de la collection permanente, d'une incroyable richesse, les incunables du 15e, les planches à imprimer " xylogravures" dans un état de conservation surprenant et chose rare présentées à côté des livres sur lesquelles les images ont été imprimées il y a 6 siècles et tellement d’autres merveilles.

« Pourquoi pas des livres ronds, carrés, triangulaires, troués, cubiques, reliés en bois ou en cuivre, imprimés sur des vieux papiers, de liège, filtre ou d’emballage, et même sans couverture, si c’est cela qui va de soi ?
Pourquoi faudrait-il qu’un livre ressemblât toujours à un autre livre ? »
​​​

  Un petit restaurant très lyonnais, que l'on rejoint par une traboule depuis la cour d'honneur du musée de l'imprimerie et s'appelle tout simplement " le Musée" pourrait nous accueillir à 12h, mais son succès fait qu'il est complet en permanence. Il faut donc IMPERATIVEMENT réserver, même pour 2 personnes.

Visite et repas :  Jeudi 31 MARS 2022


TRESORS DE VENISE - LA COLLECTION CINI

Une très belle journée à Aix-en-Provence : une visite guidée de grande qualité le matin, suivie d’un déjeuner dans un cadre raffiné, puis de flâneries au gré du superbe patrimoine architectural de la ville.

La Fondation Cini, 70 ans après sa création par un riche entrepreneur vénitien, expose pour la première fois hors d’Italie dans le superbe Hôtel de Caumont.

Les célèbres primitifs italiens, avec leurs fonds or caractéristiques sont largement représentés (cf.Giotto), ainsi que  l’Ecole de Ferrare avec sa recherche d’expressionnisme au XVème siècle.

Pour prendre le temps de découvrir aussi les enluminures, porcelaines et objets de mobilier, nous vous invitons à vous rendre à la Galerie du Palazzo Cini sur le Grand Canal, à Venise bien sûr !

Deux joyaux de l’exposition sont « Doubles portraits de deux amis » de Pontormo,

thème très récurrent à la Renaissance

La « Vierge à l’Enfant » de Piero della Francesca aux dégradés azurs si délicats.

Mais la Fondation n’a pas voulu ses figer dans le passé : elle a demandé à des artistes contemporains des créations se faisant l’écho d’œuvres de la Collection. C’est ainsi que nous découvrons, en réponse aux « Prisons » les photos des montages de punaises et d’épingles de l’artiste brésilien Vik Muniz.

Les célèbres gravures des Prisons Imaginaires de Piranèse (XVIIIème) ornent la dernière salle. 


A LA VIE, A LA MORT

Estampes, gravures, peintures, sculptures, installations : près de 150 œuvres, de la fin du Moyen Âge à l’art contemporain, pour comprendre la réflexion des artistes au fil des siècles sur la finitude de l’existence humaine, s’interroger sur le sens de la vie, le temps qui passe, et admirer la célébration par les artistes de la beauté de la vie.

    Bien étrange titre pour une exposition pleine de symboles qui rappellent que

toute vie humaine a une fin, mais combien cette vie est précieuse, fragile et belle.

    A partir du Moyen-âge, une grande diversité de genres et de thématiques ont permis aux artistes de s'exprimer : les danses macabres, les scènes de genre, natures mortes bouquets de fleurs, peintures animalières, etc...

    Ces images ont connu un grand succès quand du 15e au 17e siècle, de nombreux conflits armés et les épidémies de peste décimaient les populations et rendaient la mort omniprésente : des petits squelettes gesticulants surprenaient homme et femmes dans leurs occupations, riches comme pauvres.

    Au 16e siècle, le développement des études anatomiques fournissait des modèles de squelettes qui s'adonnaient à des activités humaines et personnifiaient
 la mort ; joueurs de cartes, buveurs, ...L'enfant est associé à la mort dans une représentation symbolique "l'enfant faisant des bulles de savon", résumant la brièveté de la vie dans des jeux d'enfants
    Au 17e, les danses macabres cèdent la place à des crânes, les développements scientifiques ont permis la représentations de ces crânes avec la plus grande exactitude, illustrés par trois miniatures en ivoire.. De nombreuse œuvres ont été créés pour souligner le caractère vain de la quête de connaissances et de gloire, la brièveté même de l'existence humaine rend ces prétentions dérisoires.
  Les natures mortes apparaissent avec profusion d’emblèmes : des livres, instruments de musique, grimoires, chandelles, visant à démontrer
l'orgueil des connaissances accumulées au cours de la vie. A cette époque le tabac apparait en Europe et on retrouve dans de nombreux tableaux, des fumeurs, des joueurs, des buveurs et des scènes de cabaret avec en filigrane, une dénonciation de la futilité des plaisirs terrestres.

La beauté des fleurs dans des bouquets peints pour la plupart au 17e est aussi un des symboles du caractère éphémère de l'existence.